Utilizando el cuerpo como un medio de comunicación, la expresión del baile es quizás la forma del arte más complicada y desarrollada, pero aún así fácilmente comprensible.
El baile en la India se ha introducido en otros campos tales como la poesía, la escultura, la arquitectura, la literatura, la música y el teatro. La evidencia arqueológica más antigua es la hermosa estatua de una bailarina, que data de alrededor del 6000 antes de nuestra era. El Natya Shastra de Bharata (que se cree que fue escrito entre el segundo siglo antes de nuestra era y el segundo siglo de nuestra era) es el más antiguo tratado sobre dramaturgia disponible. Todas las formas de las danzas clásicas indias deben homenaje a Natya Shastra, considerado como el quinto Veda.

Se dice que Brahma, el Creador, creó a Natya, tomando la literatura del Rig Veda, una canción del Sama Veda, abhinaya, o expresión del Yajur Veda y rasa, o experiencia estética del Atharvana Veda. También contiene deliberaciones sobre diferentes tipos de posturas, las mudras o las formaciones de las manos y sus significados, los tipos de emociones y sus categorizaciones, sin mencionar el tipo de vestido, el escenario, la ornamentación y aún el auditorio. Todas las formas de baile están entonces estructuradas de nueve rasas o emociones, hasya (la felicidad), krodha (la cólera), bhibasta (la aversión), bhaya (el miedo), shoka (la lástima), viram (el coraje), karuna (la compasión), adbhuta (el asombro) y shanta (la serenidad). Todas las formas de danza siguen los mismos gestos de las manos o hasta mudras para cada una de las rasas. Las danzas se diferencian donde el genio local las ha adaptado a sus demandas y necesidades locales.

 Uno de los símbolos más permanentes de la India es la figura de Nataraja  Shiva, el Rey de los Bailarines. Se cree que el baile cósmico de Shiva abarca la creación, la preservación y la destrucción y esta idea ha estado incrustada en el pensamiento Hindú y sus rituales desde la alborada de la civilización. Él sostiene un pequeño tambor (damaru) en su mano derecha superior. Su mano derecha inferior muestra el gesto de negación del temor (abhaya), su mano superior izquierda está en pose de media luna (ardhachandramudra) que sostiene una llama que es el fuego (agni) que finalmente destruye al mundo y es entonces extinguido en las aguas cósmicas. De ahí que la mano que sostiene el tambor y la que sostiene el fuego equiparan las fuerzas de la creación y la destrucción. El segundo brazo izquierdo está sostenido con gracia sobre el pecho (gajahastamudra) con la mano señalando al pie alzado, lo que denota favor o gracia por los devotos. Un pie reposa sobre Apasmara o Mauyalka, que es la forma corporal de la crueldad humana y la ignorancia. Rodeando la figura de Shiva y emanando de él hay una inmensa aureola de llamas (prabhamandala) que representa los procesos vitales de la naturaleza, sustentados por la tremenda energía del Dios bailarín que está en su interior.

Las llamas se representan como la Ananda Tandava, este baile es una metáfora por la creencia que lo adaptó a las exigencias locales. El baile indio es una unión de nritta _ los elementos rítmicos, nritya _ la combinación del ritmo con la expresión y natya _ el elemento dramático. El nritta es el movimiento rítmico del cuerpo en el baile, danza pura. Este no expresa ninguna emoción. El nritya se expresa usualmente a través de los ojos, manos y movimientos faciales. El nritya combinado con el nritta conforman los programas usuales de danza. El nritya incluye el abhinaya, que representa el rasa (sentimiento) y el bhava (humor). Para apreciar el natya o drama danzario, se tienen que comprender y apreciar las leyendas indias. La mayoría de los bailes indios toman sus temas de la rica mitología india y leyendas folclóricas. Los dioses y diosas hindúes como Vishnu y Lakshmi, Rama y Sita, Krishna y Radha están todos representados en los bailes clásicos indios. Cada forma de baile saca inspiración también de historias que representan la vida, la ética y las creencias del pueblo indio.

La fascinación por el baile indio en todas partes del mundo es una indicación de la profunda necesidad de utilizar el cuerpo humano para expresar y celebrar las grandes verdades universales. El baile indio hace justamente eso en una forma elevada y reverencial. También, como que el baile es físico y visual, éste ilumina la cultura india de forma directa, haciendo vibrar las sensibilidades de los espectadores. De esta forma, aquellos que están atraídos por la India, encontrarán en el lenguaje de la danza la mejor introducción a los ricos rasgos distintivos y tradiciones de la India.

Formas clásicas de danza de la India

La génesis de los estilos contemporáneos de los bailes clásicos puede encontrarse en el período comprendido entre 1300 -1400 antes de nuestra era. La India muestra un número de formas clásicas de baile, cada una de las cuales puede encontrarse en diferentes partes del país. Cada forma representa la cultura y rasgos distintivos de una región particular o grupo de personas. 
Además de estos, existen varias danzas semi-clásicos que contribuyen a la plétora de bailes indios.

Danzas Folclóricas Populares de la India

Además de los bailes clásicos, la India es particularmente rica en formas folclóricas específicas. Cada área tiene sus propias variedades especiales, ya sean marciales, estacionales, rituales, de sacrificio, de celebración, educativas o talismánicas. Esto puede variar de localidad en localidad, pero todas comparten una herencia común de mitos y símbolos. Algunas de las formas folclóricas de la India son el baile Chauu de Bihar, el Garba de Gujarat y el Bhangra del Punjab y el Banjara de Andhra Pradesh.

En la India, la danza y la música penetran todos los aspectos de la vida y traen color, regocijo y alegría a un número de festivales y ceremonias. De hecho, la danza y la música están inextricablemente unidas a cualquier tipo de festividad.

Formas de Danzas Clásicas de la India

Bharatanatyam

La forma de arte más celebrada del Estado Sureño Indio de Tamil Nadu, el Bharatanatyam, es un estilo de baile dinámico y terrenal. Este es, en efecto, una tradición que exige del ejecutante una total dedicación, separación de las ataduras del mundo y una sublimación de él mismo al arte. Bharatanatyam es un nombre relativamente nuevo. Anteriormente se conocía como Sadir, Dasi attam y Thanjavur Natyam

La forma contemporánea del Bharatanatyam se desarrolló a finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX. El Sadir, que fuera hasta entonces el dominio de las devadasis (chicas que eran dedicadas a los dioses), alcanzó su nadir durante 1910-1930 con la degeneración de las convenciones sociales. Pero durante 1926 -1935 bajo el campeonato de E. Krishna Iyer, la danza recobró su majestuosidad y comenzó a conocerse como Bharatanatyam.

El Bharatanatyam es vibrante y muy exigente para el ejecutante. El cuerpo es visualizado como hechos de triángulos, uno encima y otro debajo del torso. Está basado sobre una distribución equilibrada del peso del cuerpo y las posiciones firmes de las extremidades inferiores, permitiéndole a las manos cortarse en una línea, para flotar alrededor del cuerpo, o para tomar posiciones que exalten la forma básica. Una característica especial de esta forma de baile son los Padams o poemas sobre temas de héroes y heroínas. El tempo de estas canciones de amor es lento y cada fase de actuación se cristaliza en un modo específico de amor.

Los bailadores del Bharatanatyam son usualmente mujeres y, como las esculturas de las que toman sus posturas, siempre danzan con las rodillas flexionadas. Es un estilo de baile extremadamente preciso, donde se utiliza un enorme repertorio de movimientos de manos para expresar estados de ánimos y expresiones.

Kathak

La forma de baile Kathak se originó en el norte y en sus comienzos fue muy similar al Bharatanatyam. Las influencias persas y musulmanas más tarde alteraron el baile de un ritual de templo a un entretenimiento cortesano.

La influencia de la tradición mogol es evidente en esta forma de baile y tiene una textura hindú - musulmana distintiva.
La palabra Kathak, derivada de  Katha, literalmente significa narrador de cuentos. En los tiempos antiguos, los narradores de cuentos utilizaban las canciones y los bailes para embellecer sus narraciones. Esto tomó la forma de Kathakalakshepam y Harikatha en el sur de la India, y la forma de Kathak en el norte. Alrededor del siglo XV la forma de danza sufrió una transición drástica debido a la influencia del baile y de la música mogol. Para el siglo XVI, el pijamas ceñido de churidar se convirtió en el vestido principal de la bailarina Kathak. Hoy, los maestros de esta forma de baile incluyen a Birju Maharaj y a Uma Sharma.


Los bailes son ejecutados con las piernas rectas y las bailarinas controlan hábilmente los cascabeles que llevan al tobillo. El Kathak posee una cualidad emocionante y entretenedora, siendo las características dominantes más estimadas de éste estilo el intrincado trabajo del pie y las rápidas piruetas. Los trajes y los temas de estos bailes son frecuentemente similares a aquellos que aparecen en las pinturas miniaturas mogoles.
Aunque no similares a los del Natyasastra, los principios en Kathak son esencialmente los mismos. Aquí el acento está más en el trabajo del pie, en contraste con el énfasis sobre las hasta mudras o formaciones de las manos en el Bharatanatyam.

Kathakali

En el pintoresco estado de Kerala, una franja estrecha de tierra maravillosa que corre a lo largo de la costa oeste de la India, se puede observar una rica y floreciente tradición de drama danzario. Aquí, en la noche, los tambores redoblan llamando a una audiencia a presenciar el más magnificente espectáculo. El Kathakali, un drama danzario bien desarrollado, es una actuación donde los actores muestran personajes de las épicas Ramayana y Mahabharata y de las Puranas (escrituras antiguas). Las bailarinas se adornan con una enorme falda y cintillos, usando el más intrincado estilo de maquillaje.

Tan fuerte es la identificación de los bailarines con los personajes que representan y tan absoluta su convicción, que parecen superarse a sí mismos, convirtiéndose en uno con los héroes o heroínas legendarios que representan.
El Kathakali actual es una tradición de drama danzario que se desarrolló a partir de siglos de tradiciones teatrales altamente estilizadas de Kerala, especialmente Kudiyattam. Las tradiciones rituales como el Theyyams, Mudiyattam y las artes marciales de Kerala jugaron un papel importante en modelar el baile hasta su forma actual. Como el Bharatanatyam, el Kathakali también necesitó una resurrección en los años 30. El gran poeta Vallathol redescubrió el Kathakali, estableciendo el Kalamandalam de Kerala en 1932, lo que le dio una nueva dimensión a esta forma de arte.
El Kathakali toma fuertemente del drama y es bailado con máscaras y trajes elaborados. Los recitales de Kathakali son generalmente largos y mientras que otras formas de baile son más emotivas que narrativas, el Kathakali es las dos cosas. Este combina el baile con el diálogo para brindarle a la vida mito y leyenda en los patios del templo de Kerala. Los bailarines utilizan sus vestuarios y maquillajes aturdidores con el acompañamiento de tambores y vocalistas para crear varios estados de ánimo y emociones.

Manipuri

El Manipuri es el baile clásico de la región del Manipur en el nordeste. El Manipuri difiere de muchas maneras de las otras formas de baile en la India. El cuerpo se mueve con gracia lenta y sinuosa y el movimiento ondulado de los brazos fluye hasta los dedos. La forma de baile se desarrolló en el siglo XVIII con el advenimiento de la fe Vaishnava, a partir de ritos anteriores y formas mágicas danzarias. Los temas del Vishnu Purana, del Bhagvata Prana y las composiciones de Gitagovinda predominan en el repertorio.

Kuchipudi

El Kuchipudi, el estilo indígena de baile de Andhra Pradesh, tuvo su origen y florecimiento en la aldea del mismo nombre, originalmente llamada Kuchelapuri o Kuchelapuram, un caserío en el distrito de Krishna. Desde sus orígenes, en los oscuros y recónditos tiempos del siglo III antes de Cristo, este ha permanecido como una tradición danzaria continua y viva de esta región. La génesis del arte Kuchipudi, al igual que la de la mayoría de las danzas clásicas indias, está asociada con las religiones. Por mucho tiempo, el arte se presentó solamente en los templos y eso únicamente en las festividades anuales de ciertos templos en Andhra.

De acuerdo a la tradición, la danza Kuchipudi era ejecutada originalmente sólo por hombres y todos ellos pertenecían a la comunidad Brahmán. Estas familias brahmanes se conocían popularmente como los Bhagavathaulu de Kuchipudi. El primer grupo de los Bhagavathulu Brahmanes de Kuchipudi se formó en el 1502 de nuestra era. Sus programas eran ofrendas a las deidades y nunca permitieron mujeres en sus grupos.

En una era de degeneración de la danza debido a la explotación de las bailarinas, un ascético, Siddhendra Yoghi, redefinió la forma de baile. Quince familias Brahmanes pertenecientes a Kuchipudi han mantenido la tradición por más de cinco siglos. Renombrados gurus como Vedantam Lakshminarayana, Chinta Krishna y Tadepalli Perayya enriquecieron la forma de baile mediante la introducción de mujeres. El Dr. Vempati Chinna añadió varios dramas danzarios y diseñó muchas coreografías para solistas, ampliando así el horizonte de esta forma danzaria. La transición ha sido grande desde el tiempo en que los hombres representaban papeles femeninos hasta el presente cuando las mujeres hasta representan los papeles masculinos.

El arte Kuchipudi, para ser notado fue proyectado como un drama danzario que requería un grupo de personajes, nunca como una mera danza realizada por un solista, lo que es común en el presente. Este drama danzario se conoce algunas veces como Ata Bhagavatham. Las obras están en Telugu y tradicionalmente todos los papeles son desempeñados sólo por hombres.

Las obras Kuchipudi son representadas al aire libre y en escenarios improvisados. La presentación comienza con algunos ritos escénicos que son realizados en presencia total de la audiencia. Entonces el Soothradhara o conductor y los músicos acompañantes suben al escenario y ofrecen una obra de ritmo con los tambores y címbalos. En una representación Kuchipudi, cada personaje principal se introduce en el escenario con un daru. Un dharu es una pequeña composición de baile y canto especialmente diseñada para cada personaje para ayudarlo o ayudarla a revelar su identidad y también para mostrar la habilidad del ejecutor en ese arte. Hay alrededor de 80 dharus o secuencias de baile en cada drama danzario.

La danza Kuchipudi más popular es la danza de la olla en la cual una bailarina mantiene una olla llena de agua sobre su cabeza y los pies se mantienen en un plato de bronce. Se mueve por el escenario manipulando el plato metálico, con los pies mantenidos sobre su borde y realizando algunos movimientos con las manos sin derramar una sola gota de agua sobre el piso dejando a la audiencia sorprendida.

El maquillaje y el vestuario de este arte son característicos. No hay nada complicado en el vestuario y el maquillaje es sencillo. Los personajes importantes tienen diferente maquillaje y los personajes femeninos usan ornamentos y joyas tales como el Rakudi (ornamento de cabeza), el Chandra Vanki (ornamento para los brazos), el Adda Bhasa y el Kasina Sara (ornamentos del cuello) y una trenza larga decorada con flores y joyas.

La música en el Kuchipudi es Carnática clásica. La mridanga, el violín y un clarinete son los instrumentos comunes empleados como acompañamiento.

El Kuchipudi de hoy como el Bharatanatyam ha sufrido muchos cambios. Los bailarines actuales tienen entrenamiento avanzado en el estilo Kuchipudi y presentan su arte en sus estilos individuales variados. Actualmente hay sólo dos melams o agrupaciones profesionales de bailarines masculinos. La mayoría de los ejecutantes son mujeres. En su actual administración, el Kuchipudi ha sido reducido de un drama danzario a una danza, de una elevada experiencia teatral a un asunto escénico rutinario.

Odissi

El Odissi es considerado, basado en evidencias arqueológicas, como una de las más antiguas formas de baile que sobreviven hoy en día. Es la forma tradicional de baile de Orissa y debe su origen a los bailes de templos de los devadasis (bailarines de templo). Posiblemente esta es la forma de baile más antigua en el país; Odissi ha sido mencionada en inscripciones, mostrada en esculturas, en templos como el Brahmeswara y el salón de baile del Templo del Sol en Konark. En los años 50, esta forma de baile fue completamente revitalizada gracias al Abhinaya Chandrika y poses danzarias esculpidas encontradas en templos.

El Odissi, como sabemos hoy, es el resultado de un largo proceso de reconstrucción de varias tradiciones danzarias de Orissa, por ejemplo los Maharis, los Goti puas y las tradiciones Bhandanritya. Los Maharis son la contraparte de los Devadasis del sur. Los Goti puas son hombres que se vestían como bailarinas y bailaban como los Meharis. A estos artistas no se les permite bailar en los templos después de los 18 años de edad.
Mientras que la forma es curva concentrándose en la tribhang o la división del cuerpo en tres partes, cabeza, busto y torso, las mudras y las expresiones son similares a las del Bharatnatyam. Las ejecuciones Odissi están repletas con señores de la octava encarnación de Vishnu, el Señor Krishna. Es una danza clásica lírica y suave que representa el espíritu y la atmósfera de Orissa y la filosofía de su deidad más popular, el Señor Jagannath.

El Odissi está basado en la devoción popular al Señor Krishna y los versos de la obra Sánscrita Geet Govinda, son utilizados para representar el amor y la devoción a Dios. Los bailarines Odissi utilizan sus cabezas, bustos y torsos con movimientos suaves para expresar estados de ánimos específicos y emociones.

Mohiniyattam

Se dice que el Mohiniyattam, la danza semi – clásica femenina de Kerala, es más antigua que el Kathakali. Literalmente, la danza de la hechicera, el Mohiniyattam era ejecutado principalmente en los precintos del templo de Kerala. También es heredero de la danza Devadasi como el Barata Natyam, el Kuchipudi y el Odissi. La palabra ‘Mohini’ significa una doncella que ejerce deseo o roba el corazón del espectador. Hay una bien conocida historia del Señor Vishnu tomando la apariencia de una ‘Mohini’ para cautivar a las personas en relación con la agitación del océano de leche y con el episodio del asesinato de Bhasmasura. De ahí que se cree que los devotos de Vaisnava le dieron el nombre de Mohiniyattam a esta forma de baile.

La primera referencia al Mohiniyattam se encuentra en el ‘Vyavaharamala’ compuesto por Mazhamangalam Narayanan Namboodiri, asignado al siglo XVI de nuestra era. En el siglo XIX, Swati Thirunal, el rey de ex – Travancore, hizo mucho para estimular y estabilizar esta forma de arte. El período post Swati, sin embargo, fue testigo de la caída de este arte. Este de alguna forma degeneró al erotismo para satisfacer la vida epicúrea de algunos sátrapas provinciales y terratenientes. Fue el Poeta Vallathol quien otra vez revivió esta forma de arte y le dio un estatus en los tiempos modernos a través del Kerala Kalamandalam, el cual fundó en 1930.

El tema del Mohiniyattam es el amor y la devoción a Dios. Frecuentemente el héroe es Vishnu o Krishna. Los espectadores podían sentir su presencia invisible cuando la heroína o su doncella detallan los sueños y aspiraciones a través de movimientos circulares, pasillos delicados y expresiones sutiles. El bailarín en los tempos lentos y medios es capaz de encontrar espacio adecuado para la improvisación y bhavas sugerentes. En su forma, este es similar al Bharatanatyam. Los movimientos son gráciles como el Odissi y los vestuarios son sobrios y atractivos. Es esencialmente un baile para solistas, pero en el presente también se ejecuta en grupos.

El repertorio del Mohiniyattam sigue de cerca al del Bharatanatyam. Comenzando con Cholkettu, la bailarina ejecuta Jathiswaram, Varnam, Padam y Thillana en un concierto. Varnam combina la danza pura y expresionista, mientras que Padam prueba el talento histriónico de la bailarina y Thillana expone su técnica artística.

El Mohiniyattam mantiene un maquillaje realista y vestuario simple. La bailarina está ataviada con el bello saree Kasavu, blanco y ribeteado en oro, de Kerala.

El Mohiniyattam, como muchas otras formas, sigue el Hastha Lakshanadeepika, como libro de texto para las Mudras, o gestos de las manos. El estilo de música vocal del Mohiniyattam, como generalmente se ve, es Carnático clásico. Hasta hace poco, el Thoppi Maddalam y la Veena proveían la música de fondo para el Mohiniyattam. Estos han sido sustituidos en los años recientes por el Mridangam y el violín.

Fuente: Embajada de la India en La Habana Cuba